ХУДОЖНИК РУСТАМ ИРАЛИН: «НАЕДИНЕ С САМИМ СОБОЙ»

рустам иралин. интервью. художник.

Мне всегда было интересно узнать, с чего начинается полотно. Или как будущий живописец приходит к пониманию того, что ему нужно взять в руки кисть. Художник, вероятнее всего, как и писатель — сложная многоступенчатая конструкция, которая готова держать на своих плечах весь мир, хотя бы для того, чтобы когда-то использовать этот опыт в своих работах.

Наш герой — Рустам Иралин — участник известного арт-аукциона «GLAAD», который прошел в Нью-Йорке в 2013 году. Фамилия Иралина также звучала и на благотворительной выставке, приуроченной проблемам в сфере образования девушек в странах третьего мира — «GIRL RISING» в 2014 году.

Его работы я увидел в американских СМИ, и подумал, что было бы неплохо пообщаться с ним лично. Я его нашел. И мы поговорили.

рустам иралин. интервью. художник.


РУСТАМ ИРАЛИН: «НАЕДИНЕ С САМИМ СОБОЙ»


Где вы сейчас живете и как влияет место на художника и его искусство?

— В мае 2017 переехал в США на ПМЖ. Свою карьеру художника я начинал в Москве, но так получилось, что большинство покупателей моих работ — американцы. Для меня Америка всегда была вторым домом — по качеству жизни, отношению к людям и культуре. Место проживания художника влияет прямо пропорционально на его жизнь, его понимание того, с кем и как он живет. Место помогает развивать цели и желание что-то менять. Любой творческий человек вдохновляется своим окружением: местностью, культурой, и, в конце концов, людьми!

Переехав в США, я испытал большой стресс — не мог писать почти 3-4 месяца, потому что, учитывая свой аналитический склад ума, я постоянно был в раздумьях и анализировал текущую ситуацию, пытаясь как можно скорее к ней приспособиться. Сегодня, спустя 3 месяца со дня переезда, все стало стабильнее, я снова начал писать и делать зарисовки.

Зачем человек берет в руки карандаш / кисть? И о чем говорит чистый холст?

— Начну со второго вопроса. Использовать старый холст, где раньше была чья-то (или своя) работа — рука не поднимается. За годы своей карьеры в искусстве, я всего лишь два раза переписывал картину: пришлось полностью замазать изображение, дать высохнуть и снова писать с «чистого листа». Чтобы ничего не отвлекало, я обычно еще и переворачиваю холст на 180 градусов — это помогает сосредоточиться.

Зачем человек берет в руки карандаш или кисть? Думаю, у многих это начинается еще с детства: это был способ излагать свои мысли через какой-то простой инструмент. Будь то карандаш или кисть — не важно — это такая же возможность передавать свое настроение;  способ общаться с миром, обучая его и делясь самым сокровенным.

Это слайд-шоу требует JavaScript.

Какую роль играет для художника студия?

— Студия для художника — его обитель. Место, куда он приходит не просто поработать над созданием художественных произведений, но и побыть наедине с самим собой, ведь он остается с полотном один на один. Безусловно, это должна быть хорошая светлая студия с огромными окнами: чем больше дневного света, тем лучше.

Когда я писал картины дома — это всегда ставило меня в какие-то неуютные рамки. В таком помещении я испытываю физическую закрытость и психологическую замкнутость. Ну, если у кого-то дом с 4-6 комнатами и большими панорамными окнами, то это уже не проблема.

В наполненной светом студии, ты не чувствуешь границ для «выброса эмоционального адреналина», есть чувство свободы.

Читай также статью об АРТ-САМОУБИЙСТВАХ — то есть людях, которые по-своему использовали маркетинг.

Судя по вашим работам, основное внимание вы уделяете балеринам и мужским телам. Почему? И почему мужчины, а не женщины? 

— Балет вошел в мою жизнь, когда я впервые послушал музыку Чайковского в рождественское время. Меня поразило, насколько она заставляла переживать, полностью погружаться в сюжет спектакля, испытывать торжество любви и драмы, славу и боль. Чуть позже я знакомился с танцорами классического танца, они открывали для меня свои секреты мастерства, рассказывали про этот тяжелый физический труд. Несмотря на все трудности такого ремесла, они, как зачарованные, выбегали на сцену и рассказывали историю любви — так глубоко и чисто. Я понимал, что мне уже поздно заниматься балетом, хотя в юношестве я посвятил несколько лет акробатическому танцу, в том числе с элементами классики. Поэтому единственное, где я мог бы прочувствовать на себе все тяготы исполнения, где я мог вжиться в роль повествующего — в живописи. Я включал музыку Чайковского, садился писать и проживал весь спектакль от начала до конца. Почти всегда в финале у меня начинали болеть ноги, затылок и руки.

Балерина — воплощение хрупкости и легкости, но при этом мы все понимаем, каким трудом это достигается. Мужские фигуры из мира балета в моих полотнах появлялись реже, чем балерины. Думаю, почти все художники мира пишут женские фигуры балерин, редко — мужские. Тело балетного танцора очень часто можно увидеть на фотографиях великих мастеров своего дела. Для меня вообще познание анатомии началось в 2013 году, когда я понял, что я не могу точно и грамотно передать все детали человеческого тела. Мужское анатомическое развитие — наиболее интересный объект для изучения. Посмотрите на работы Леонардо да Винчи. Рисуя правильно анатомические формы, художник может передать совершенно сумасшедшую страсть и силу. Если изобразить в такой же манере женское тело — это будет выглядеть неприлично. В мире искусства, женщин всегда писали и рисовали почти в идеальном величии безупречно красивого тела, приятного цвета кожи и нежности фигурных очертаний. Эталон красоты. Женщина создана быть красивой и нежной, это знали все мастера живописи. Мне кажется, было бы странным писать женскую мускулистую фигуру, согласитесь?

— Безусловно. Я заметил, что в некоторых ваших работах можно проследить некую анатомическую схожесть с рисунками да Винчи. Есть какая-то связь? Какими художниками вы восхищаетесь? Какими работами?

— Рисунки да Винчи — основа для познания. Безусловно, в реальной жизни тело могло бы выглядеть совсем иначе, чем на его скетчах. Вообще, рисунок — очень тонкая теория и сильное ремесло. Я считаю, что каждый, кто хочет заниматься живописью, а в особенности, фигуративным искусством, должен овладеть мастерством рисунка.

Наверное, схожесть моих рисунков с рисунками да Винчи в том, что мы оба изучали анатомию, точечно избирая путь линии и изгиба. Такая техника рисунка приходит с опытом и у всех художников она своя.

Помимо работ да Винчи, я изучал работы 3-х великих мастеров: Э. Дега, И. Репина и Р. Либерейса. Для меня было важно научиться передавать максимально реалистично фигуры на бумаге или полотне, и уже потом добавлять свое настроение и композицию.

Это слайд-шоу требует JavaScript.

Человек в ваших картинах собирательный образ? Как происходит процесс создания «человека»?

— Как творческий человек, я всегда трачу много времени на изучение людей, их историй. Чтобы «человек» появился на холсте, мне нужно сотню раз его исследовать вдоль и поперек, убедиться, что это будет правильная композиция, верные очертания фигуры и направление движения его тела на полотне. Очень много мелких составляющих компонентов, которые в итоге и создают образ. Я отношусь к этому процессу, как режиссер нереально интересного и глубокого по смыслу фильма. За созданием такого сюжета и композиции стоят недели, а порой — месяцы долгой кропотливой работы. Поэтому я никогда не пишу натюрморты или портреты домашних животных. Их изучение не доставляет удовольствия. Для этого существует фотография.

Вы говорите, что у каждого героя ваших рисунков есть история. Какой герой, что называется, был выстрадан? Кого и почему было сложнее всего создавать?

— История каждого героя остается его личной историей, я лишь проводник. Не всегда она выстрадана или супер драматична. Но в большинстве случаев, она точно не проста.

Истории очень разные и всех их просто не перечесть. Сложнее всего было передать эмоции танцоров балета или каких-то личностей из прошлого. Почему сложно? Люди не всегда показывают свои настоящие эмоции, когда занимаются своим делом, пусть даже трудным. Балерина, скорее всего, не покажет свою слабость и боль, физическую и дикую усталость. Вы только увидите красоту и грацию ее танца, мощь четких движений и необыкновенный талант. Моя задача рассказать обо всем этом, и слегка приоткрыть секреты мастерства. Таким образом, познавая процесс, я могу осознать, какие эмоции  испытывает фигура, а после — запечатлеть их на полотне.

Я перестал писать стандартные портреты еще в 2014, как только понял, что лучше всего история людей воспринимается через их движения и работу. Зритель сам чувствует динамику, улавливает вибрации. Хочется узнать больше о герое, понять, почему такие движения, почему такая эмоциональная нагрузка.

И в заключение. Что важнее: слова или рисунки? (Речь идет не о библейском значении «Слова».)

— Я бы не стал сравнивать эти два инструмента. Для тех, кто умеет правильно и глубоко писать, слово будет сильнейшим инструментом в донесении смысла — это для него важнее. Для меня таким инструментом будет рисунок, так как им я могу рассказать больше, чем словами.


Страница автора.